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Gerhard Richter, Panorama
Visite du Soir
Né à Dresde en 1932, avant l'offensive nazie, Richter fut, dans la deuxième moitié du siècle, l'enfant prodigue des Biennales et des Documenta européennes. En 1998, l'exposition du MoMa mondialise cet engouement et, un peu plus tard, une enchère de 5 millions et demi de dollars pour un tableau des années soixante, pulvérise les records chez Sotheby's.
Richter pourtant, premier peintre allemand à critiquer le passé de son pays, est le contraire d'un phénomène de mode. Le Centre Pompidou permet de s'en aviser en donnant une autre lecture de cette rétrospective, distribuant les tableaux par affinités électives, une belle idée qui génère un fil rouge entre des styles apparemment contradictoires.
Il n'y a pas, de toute évidence, chez cet original solitaire qui circule à vélo dans son gigantesque atelier de Cologne, d'inconstance ou d'opportunisme. Passant du tableau-photo à l'abstraction pure et à la peinture digitale, il donne plutôt l'impression d'opérer un voyage au centre de la peinture, de célébrer les noces pérennes de l'huile et de la toile en des temps postmodernes qui avaient juré leur perte !
Quand il commence à se faire connaître dans les années soixante, l'heure est, un peu partout, à l'engagement, à la contestation, à la condamnation de l'art moderne au bénéfice d'une dérision érigée en système sur le modèle de Duchamp. Richter, sans méconnaître tout cela, interviendra ponctuellement sur des images de l'actualité et de la vie de tous les jours, mettant au point un procédé qui reporte la photographie sur la toile et lui prête un statut flou, loin du photoréalisme.
C'est dans cette marge entre réel et interprétation qu'il crée son propre système critique, non seulement vis-à-vis de la société de consommation et du terrorisme mais de la peinture et de la photo, de leur long flirt. Un engagement qui aboutira en 2005 au tableau Septembre, oeuvre abstraite entre mirage et image télévisée, inspirée de l'attaque des tours jumelles.
Même ses tableaux les plus photographiques instaurent la gloire du pictural. Dès le début, une aura qui leur est propre floute les peintures grises et donne une profondeur de champ aux objets les plus banals, voiture, avions, portraits de famille. Eva, son nu descendant l'escalier paré d'une suavité presque classique commente, tout en s'en écartant sensiblement, le tableau de Duchamp. Ses visions urbaines de Paris livrent une perception aléatoire et toujours en devenir de la ville et ses Nuages, presque grandeur nature, sont encore plus troublants.
Creuser l'écart entre la photographie et la peinture pour instaurer le flottement sera, pendant des décennies, son credo. Eclatante de couleurs, confrontant des forces contraires, la période abstraite utilise encore, dans certains cas, la photographie. Cette belle période qui constitue les deux tiers de sa production ne ressemble à aucune abstraction connue. Venise, tableau moiré et changeant, en est un merveilleux exemple. La figure et sa dissolution s'y livrent un combat perpétuel et l'image, métaphorique, apparaît comme le miroir éclaté des certitudes.
Parallèlement, Richter peint des paysages et des portraits apaisés, plus classiques mais où demeure cette exploration du tableau et de la photo aux confins de leur existence. Avec Betty ou Lectrice et toutes ces belles maternités, il nous livre, intact, son amour de la peinture du passé.
(par DANIÈLE GILLEMON - édition du 11/07/2012)
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